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With anarchic, seemingly architectural objects and sculptural paintings, Hartmut Landauer generates thought spaces that interrelate multiply with the real architectural space they are put in. The tangible minimalism as a reference of a cold technocracy is being inspirited by the myth of utopies. Object, space and thought connect in a fictional but as well experienced and real place that is reminiscent of a memories' storage. Hartmut Landauer's creations unify the utopy with the actual and real subject in forms that function as a repository of time: the actual working time and time of incorporated thoughts and emotions of the artist or the ones being read into by the viewers. The works may be seen as threshold art between two eras, where the internalized tradition of the Avantgarde encounters 21st century's signs of disintegration - with tentative curiosity and changeable modules...
Joachim Fleischer, artist, Stuttgart
Hinweise auf ausrangierte fragmentierte Alltagsgegenstände, Zerstörung und Material-Neuinterpretation liefern die plausiblen Konnotationen um Hartmut Landauers Kunstwerke deuten zu können. Metamorphosen sind seit einigen Jahren zentrale Thematik bei Landauer. Die Materialien durchlaufen sozusagen Stadien der Zerstörung, um schließlich als transmutierte Wesen, vom Urmaterial emanzipiert, in Existenz zu treten.
Darüber hinaus aber staut sich viel Immaterielles in Schläuchen und Rohren, das sich zu befreien sucht und den Raum auratisch einnimmt. Für Landauer sind seine Werke Katalysatoren für die Andeutung und Umdeutung spiritueller Zusammenhänge.
Dr. Renate Wiehager, Leiterin der Daimler Kunstsammlung Stuttgart/Berlin
Spannungsreich stellen die Objekte Fragen nach dem Raumbegriff. Sie umreißen selbst Raum im Raum, sind Miniatur-Architekturen und stellen räumliche Verbindungen untereinander her, so, wie sie auch in Beziehung mit dem äußeren Raum treten, in den sie gesetzt wurden.
Wie nehmen wir Raum wahr? Welche Erkenntnisse können wir aus ihm gewinnen? Welche Auswirkungen hat er auf uns? Welche Assoziationen und Erinnerungen ermöglichen Räume? Gerade diese letzte Frage greift auch Gaston Bachelard auf, wenn er feststellt: „In seinen tausend Honigwaben speichert der Raum verdichtete Zeit.“
Die Erweiterung des Raumes in die zeitliche Dimension spielt bei den Wandobjekten von Hartmut Landauer eine bedeutende Rolle. Da die Hängung der filigranen Objekte nur eine mögliche Festschreibung ist, kann der Betrachter die davor liegenden Entwicklungsstufen mitdenken und auch an zukünftigen Veränderungsprozessen gedanklich partizipieren und sich in der Zukunft liegende Veränderungen vorstellen. Die Arbeiten erzeugen so einen fast beseelten Eindruck. Dem linearen Zeitpfeil der Moderne setzen die Wandobjekte die von Bachelard beobachtete „Wabenstruktur“ entgegen: Sie sind in einem ständigen Prozess der Veränderung begriffen – im Raum angeordnete Zeit.
Dr. Julia Bulk, Leiterin der Wilhelm-Wagenfeld-Stiftung für Architektur und Design, Bremen
time layered in space
The starting point of Hartmut Landauer's objects is not a real space, although they may seem reminiscent of "ground plans", being always based on the two dimensions of a flat surface. The shapes develop only gradually during the working process. The approach of the artist can be compared to the act of playing, which is characterized by a "dialectic of limitation and openness" (Dieter Buchhart). Like in any game, there are certain definitions or rules: For Hartmut Landauer it is the choice of material such as different types of cardboard and paper, formica or foil, and the specific techniques that he uses. Since he cuts exclusively with a cutter along a steel ruler or bends and folds the material, the shapes always result in straight lines. Within this set of rules, however, "the playing allows..." - as Johan Huizinga already defined it, "...above all, free action." This action, released from formal constraints, is reflected in the infinite variations that are possible within those objects. The artist also sees variability as a liberation, or at least as an extension of his paintings. In his paintings, he says, the "search for wholeness" seems to be limited thus it only allows the realization of only one certain version.
This idea of unity, which can be felt in Landauer's paintings, is reminiscent of Gottfried Wilhelm Leibniz's remarks. He assumes that God "after he compared all possible worlds, chose the best of them" and by the almighty word Fiat he brought it into existence with all that it contains. Today, we have lost the firm belief in living in the best of all possible worlds. This also means that we can change our environment because the existing world is only a possibility that has become a reality among other unrealized possibilities. Likewise, the objects of Hartmut Landauer are only one possible version, among many others possible. They have been created in a constant process of cutting and pasting, deconstruction and construction, folding and smoothing. They can align horizontally or vertically, stand on the ground, hang on the wall, lie in the surface or become spatial structures and thus change from the second to the third dimension.
How do we perceive space? What insights can we gain from it? What effects does it have on us? Which associations and memories do spaces enable? Gaston Bachelard also picks up on this last question when he states: "In its thousand honeycombs, space stores condensed time."
The extension of the space into the temporal dimension plays an important role in the wall objects of Hartmut Landauer. Since the hanging of the filigree objects is only one possible fixation, the viewer can think along the former development stages and imagine future alterations as well. The works create an almost lively impression and Landauer also calls them "transmuted beings". Instead of in keeping with the linear time's arrow of modernity, Landauer's objects counter it with the "honeycomb structure" observed by Bachelard: they are in a constant process of change - like time that's layered in space.
In times in which our conceptual patterns of space are exposed to more and more irritation and in which the "dissolution of the local dimension" is discussed as well as the "storm of temporality" (Michael Diers), Landauer is exploring the categories of space and time again and again. He uses his archive of carefully collected materials with a special surface (of which one could almost speak of "patina"). The recycling of found things such as record covers, packaging and book covers show his respect for the nature of things. The artist thus refers to the character of his works: they are improvisations, experiments, explanations, sketches and ideas.
But above all the works stand for themselves, develop their own rules and laws. They are not a reflection of anything else - they produce their own space and their own time. They are ambivalent as a game - a "self-contained and independent phenomenon" (Ingeborg Heidemann), but at the same time responding to the world that surrounds them.
by Dr. Julia Bulk, director of the Wilhelm Wagenfeld Foundation for Architecture and Design in Bremen
In seinem Werk lässt Hartmut Landauer Gedankenräume entstehen, die in den realen Raum in mehrfacher Hinsicht hineinstrahlen: Das dinghaft Minimalistische, das der kalten Idee des Technoiden verpflichtet scheint, wird durch den Mythos von Utopien belebt. Ding, Raum und Gedanke verbinden sich in einem erdachten aber auch erlebten, wirklichen Ort, der einem Erinnerungsspeicher gleicht. Landauers Kreation vereint Utopie und tatsächliches Objekt in Formen, die als Speicher von Zeit fungieren. Seine Arbeiten sind auch Schwellenkunst der Zeitalter, wo die verinnerlichte Tradition der Avantgarde im "Transit" auf die Auflösungserscheinungen der Kunst des 21. Jahrhunderts trifft.
Joachim Fleischer, Künstler, Stuttgart
Hartmut Landauer ist dem Artefakt treu ergeben, jener mythischen Erfindung des kreativen Geistes, die frei und um des Entstehens Willen aus sich selbst heraus entsteht, wie behauptet wird. Doch auch diese Artefakte, die skulpturalen großflächigen mit Sand geschichteten Malereien, die Intarsien und Faltobjekte aus gefundenen Papieren aller Arten oder die großen fetischartigen Skulpturen aus urbanem Treibgut vergangener Tage, haben ihren Ursprung in der Welt der Dinge. Deren Überbleibsel verehrt und hortet Landauer zwar in immensen Archiven im Atelier, doch er dekonstruiert, zerstört und transformiert sie auch. Somit ist seine achtsame Sicht- und materialintensive Arbeitsweise eine Tiefenbetrachtung der Dinge, die für ihn "Erweiterungen von uns selbst" sind und seine Werke versteht er als Zeit- und Erinnerungsspeicher.
Catherine Hartl, Architektin, Ulm
Desintegración, transición y trasformación
Sobre los espacios y las cosas en la obra reciente de Hartmut Landauer.
Tras más de una década dedicada a la figuración y otros 10 años de búsqueda, Hartmut Landauer encuentra finalmente su territorio en la abstracción, aunque sea sólo para dejarla atrás. Su última obra recuerda la posibilidad de una reconstrucción arqueológica del mundo perdido del pintor: de la fragmentación y la desintegración surge una obra nueva e independiente que se traduce en la súper y yuxtaposición de capas de materiales, de formas, de memorias, de conciencias.
Los lienzos de su serie memoryscapes acumulan por tanto historia en sus estratos. Así es como este artista ha ido paulatinamente ampliando su espacio, tanto el espiritual y el físico, como el suyo propio y el del arte: él es a la vez migrante y creador de sus propios mundos.
La suspensión de la libertad o la responsabilidad frente a la obra:
La disposición y superposición de capas en los lienzos, y el cortar y descomponer en los objetos es para Hartmut Landauer la única manera posible de regresar a la forma completa, a lo entero. A través de esta especie de patchwork, los detalles entretejidos, más bien de “retazos zurcidos” se manifiestan como algo completo. La libre deconstrucción y recomposición sirven no solamente para crear una nueva unión a partir del fragmento, sino para dar origen a otra totalidad. En este proceso, el principio básico es el “hacer” deconstructivo que por un lado genera la dinámica y dirección necesarias para la realización de la obra y que, por otro, abre el paso a la intuición y a lo casual. Así, las obras muchas veces resurgen de los escombros como el ave Fénix.
En Hartmut Landauer, la creación permanente se alimenta de la curiosidad y de la voluntad de dar origen. Se crea porque el propio ser así lo exige: lo que nunca ha existido desea salir a la luz. Para ello, todo lo que al artista se le cruza en el camino se convierte en posible pieza de un especie de rompecabezas contemporáneo, cuyos principios y formas cambian o se destruyen constantemente para crear un nuevo orden. Así, de un aparente caos de líneas y formas surge, lentamente, una composición. Las decisiones se toman en gran parte de manera intuitiva y el resultado podríamos llamarlo de libertad suspendida: de entre todas las versiones posibles sólo una consigue materializarse.
Lo mismo sucede con sus objetos que, comparados con sus lienzos, parecen más frágiles y ligeros. Una inmensa colección de papel y cartón, de carpetas y libros viejos sirve de archivo sensual para la breve y espontánea realización de ideas collagées. Se corta, se une, se cambia innumerables veces hasta que el material original se transmuta en un nuevo ser. De esta manera Hartmut Landauer se permite lo que no le es posible en su pintura: plegar, envolver, perforar y juntar formas recortadas en vez de solamente disponerlas y superponerlas en capas.
Mientras el lienzo, inmóvil, inalterable, sólo se deja hojear mentalmente a través de su historia, el objeto -más frágil, plegable y anárquico- se resiste a ser concluido y, únicamente - mediante su fijación sobre la pared o disposición sobre una mesa- adquiere una posición determinada que podríamos comparar al entumecimiento de un insecto al ser capturado. Son éstos, precisamente, objetos móviles, módulos inestables con múltiples posibilidades de pliegue que se resisten a cumplir una función específica. Sólo la técnica elegida impone límites: los cortes rectos de cantos y lados en los objetos se deben a la utilización de una regla metálica y a la cinta de enmascarar que además, en los lienzos, reserva espacios para después rellenar con espátula, con pintura acrílica y arena.
Este recurso, en su desarrollo tanto formal como informal o casual, añade un fundamento estético y un lenguaje propio que más tarde serán esenciales para la comunicación con el espectador. El nuevo rigor formal podría compararse con el de la libertad de improvisación en la armonía musical donde lo casual se asienta en una lógica no tradicional.
El tiempo trabaja también con la obra: las sucesivas capas de arena y pintura superpuestas, pegadas y moldeadas con plantillas o esténcils, van emergiendo desde el esquema, a través del “esqueleto” del cuadro, hacia la superficie, mostrando una geología de formas cubiertas o vacías que constituyen la memoria del cuadro. Su densidad formal y tensión espacial, por tanto, son fruto del propio proceso, del hacer y del transcurso, así como su fuerza es sólo la expresión de la autenticidad de ese proceso creador. Así, cuando la obra está lista para separarse, para desatarse de su creador, ésta se muestra como un ser independiente que, a pesar de todo, quedará por siempre atado a la historia de su creación.
Para este artista, el siglo XXI se manifiesta como el siglo de la desintegración pero donde la modernidad aún no está concluida ni artística, ni históricamente. Darle continuidad mediante la forma destruida es un trabajo, por tanto, enormemente complejo pues es la búsqueda de lo entero a través del fragmento, pero sin abandonar la simplicidad y la belleza del espíritu moderno. Eso son las solapaduras y los tijeretazos, dice él, los desvíos conscientes hacia lo simple y lo bello y que en su obra se traducen en purismo estético y minimalismo. Su lenguaje contemporáneo es el resultado y no el propósito de su desarrollo artístico. Precisamente allí, donde la forma destruida y reconstruida se sostiene, entre las capas troqueladas y taraceadas que se ocultan y se revelan, en sus inestables y frágiles objetos plegables que, finalmente, no son otra cosa que extensiones físicas o cinéticas del estrato y del cuadro, se resuelve por otra parte su espíritu posmoderno.
La libertad de la abstracción
Puede ser que los enormes lienzos con sus sutiles relieves y los objetos de papel taraceado evoquen maquetas arquitectónicas o formas reminiscentes de otros mundos (como sugieren sus títulos), pero no hay duda de que son lo que son: objetos propios, sin objetivo más que su ser en el mundo. No son sustitutos de nada, ni de cosas ni de espacios, no son representaciones, sino ideas libres e independientes que se han encarnado en el mundo visible.
“Las cosas y los espacios son extensiones de nosotros mismos”, dice el artista, y con ello sugiere que se crea un lugar para aquello que ya no cabe en nosotros.
“Al crear no sólo hago visible una idea oculta sino que esa idea situada en el espacio de pronto crea un nuevo y propio mundo”.
Finalmente, todo esto encarna lo que para Hartmut Landauer es primordial en la vida y en el arte: la esencia de la desintegración es la transformación así como la posibilidad de cambio está en lo desconocido.
“Sólo se puede crear algo que no se sabe cómo será. Las cosas nacen por voluntad propia.”
Hartmut Landauer está convencido de que las cosas nacen por voluntad propia y tienen capacidad de comunicar y comunicarse. Puede ser que hasta sean animadas, en el sentido del ánima que les da su aliento y el espectador no es sólo capaz de percibir su apariencia sino su “espíritu”, es decir todo su ser. Para el artista esta cualidad perceptible y sensible es una exigencia en todos los ámbitos de la vida y significa, en otras palabras, cultura que, como sus cuadros y objetos son sentidos, conocidos, recordados, vividos, transmitidos.
La memoria, en cada forma e imagen, está siempre presente. así como . Lo importante no es crear una nueva materia; en el universo todo surge de los mismos elementos. La clave para la diversidad, los cambios e ideas nuevas está en la combinación de estos elementos.
Si todo lo dicho hasta ahora es verdadero, la obra de Hartmut Landauer es mensajera del ahora y aquí: espacios en los que el encuentro con la obra crea un tiempo propio.
Ileana Viteri, galerista, Quito